Métodos de composición de música minimalista

Escrito por ollie wright | Traducido por aldana avale
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Métodos de composición de música minimalista
(music image by Jenny Thompson from Fotolia.com)

El concepto de "minimalismo" en música sólo fue nombrado así a finales del año 1960, pero sus raíces van más atrás, podría decirse a finales del siglo XIX, cuyo representante es Erik Satie. La música minimalista generalmente se distingue por su característica desafiante, como el uso del silencio y la repetición, o bucle, de frases específicas a variados intervalos de tiempo. Un compositor minimalista también puede deliberadamente restringir la gama tonal de la pieza, usar sonetos o emplear un tiempo extremadamente lento. Las formas modernas de la música electrónica para bailar como el tecno le debe mucho a la escuela de composición minimalista.

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Minimalismo previo: Anton Webern y serialismo

Anton Webern (1883-1945) compuso piezas cortas usando la técnica de 12 tonos de Arnold Schoenberg, mediante la cual 12 notas de la escala cromática se tocaban lo más igualmente posible. Empleó la técnica "serialista", repitiendo patrones específicos a lo largo de sus composiciones. Una "serie" musical es un grupo o fila específico de notas. Webern se concentró en la relación matemática de las notas, en lugar de su relación en términos de tecla. Tales repeticiones se convertían en un elemento clave en las composiciones minimalistas que seguirán más tarde en el siglo XX, aunque los compositores minimalistas más conocidos. como Steve Reich y Philip Glass. también introdujeron varias influencias a su ejecución.

Philip Glass

Philip Glass (1937- ) aprendió la técnica de 12 tonos de Schoenberg en la universidad, pero su carrera temprana fue profundamente influenciada por la música oriental y pasó mucho tiempo investigando en India y África del Norte. Glass compuso música que parece "células" de música repetida que gradualmente varían, por ejemplo por la adición o extracción de una nota. Este autor tendía a escribir piezas para conjuntos pequeños, especialmente para vocalistas, organistas e instrumentos de viento. Glass ha dicho que prefería el término "música con estructuras repetitivas" en lugar de "minimalismo" cuando se describía la mayoría de sus producciones.

Steve Reich

Steve Reich (1936- ) ha incorporado en su trabajo elementos del rock, jazz y de la música occidental. Estudió batería en Ghana, música indonesa en la Sociedad Norteamericana para las Artes Orientales y Cantilación (canto tradicional) en Jerusalém. La música de Reich tiende a hacer un "pulso" hipnótico y rítmico. Fue el primero en usar los bucles, con dos cintas idénticas grabadas que se ejecutaban juntas a velocidades ligeramente diferentes. Aunque las dos grabaciones deberían comenzar de forma idéntica, gradualmente comienza a correrse, creando armonías y ritmos desconocidos. Reich también usaba esta técnica con instrumentos para "Fase piano" y "Fase violín" (ambas de 1967).

John Adams

John Adams (1947- ) dijo en 2006 que la música minimalista debe contener "un pulso perceptible, una tonalidad enfática dentro de un ritmo armónico relativamente lento y una repetición de pequeñas células o motivos, que con el tiempo crearán grandes estructuras arquitectónicas". Los cambios rítmicos rápidos o de armonía quedan fuera, ya que la "retórica del cierre", como pieza minimalista es más proclive a finalizar abruptamente a diferencia de los finales tradicionales. En su pieza de 1977 "Puertas frigias", Además se limitó a los modos de Frigio y Lidia; esta restricción le permitió explorar las posibilidades armónicas de estas escalas.

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