Quienes son las figuras del arte contemporaneo latinoamericano

Escrito por lautaro berasategui Google
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Diseñadores de experiencias

Quienes son las figuras del arte contemporaneo latinoamericano
(Jupiterimages/Photos.com/Getty Images)

"Muchos de nosotros somos exiliados de las artes visuales, pero rara vez hacemos objetos con el fin de que sean exhibidos en museos o galerías. De hecho, nuestra principal obra de arte es nuestro propio cuerpo, cubierto de implicaciones semióticas, políticas, etnográficas, cartográficas y mitológicas".

— Performer Guillermo Gómez Peña, “Performance artística y acción social. En defensa de la performance”.

El arte contemporáneo latinoamericano ha borrado las fronteras entre la cultura de masas y la denominada “alta cultura”, llevando la experiencia artística fuera de los límites de los museos y convirtiéndola en una instancia interactiva en la que el público debe participar en las propuestas de las obras. Esta expansión tiene mucho que ver con la experimentación con nuevos materiales y la utilización de diversos medios de comunicación y nuevas tecnologías. Si los materiales emblemáticos de la escultura y la pintura eran el mármol y el óleo respectivamente, en la actualidad los artistas no se censuran a la hora de integrar todo tipo de nuevos elementos que van desde el plástico y el nylon hasta los desechos orgánicos. A su vez, el video, la ambientación sonora y la iluminación son algunos de los soportes tecnológicos con que los artistas intervienen lugares públicos para diseñar nuevas y originales formas sensoriales de vivir el espacio. No es para nada sorprendente ver cómo los solemnes cordeles con que los museos separaban al público de las costosas obras, han dado lugar a exposiciones que necesitan que el público se coloque unos auriculares o ponga en funcionamiento las obra a través de una pantalla táctil. Esto es un factor tan cotidiano que, muchas veces, el espacio del museo termina asemejándose a un parque de juegos para adultos, donde el público debe agacharse y desplazarse por complicadas estructuras que son auténticas “máquinas de producir sensaciones”. Hoy en día, gran parte de los artistas latinoamericanos contemporáneos, desde los que realizan performances hasta los que renuevan la pintura desde el uso de aerosoles o poderosos efectos ópticos, ponen especial interés en el espectador y en la posibilidad de sacudir sus emociones con su arte.

Esculturas móviles y espacios esculturales

Quienes son las figuras del arte contemporaneo latinoamericano
(Peter Macdiarmid/Getty Images News/Getty Images)

Tanto las esculturas que cambian a medida que el espectador las rodea e ingresa en ellas, las estables o penetrables, o aquellas que tienen integrado el movimiento a su funcionamiento, son algunos ejemplos de las nuevas innovaciones de las artes contemporáneas latinoamericanas. A su vez, la idea de tomar objetos que ya existían en el mundo (por ejemplo: herramientas de jardín, muebles, artículos de uso personal como cepillos y anteojos) y disponerlos en un contexto novedoso, es también una estrategia muy común en la escultura contemporánea.

Los artistas más representativos del llamado arte óptico y cinético son los Venezolanos Jesús Soto (1923-2005) y Carlos Cruz Diez, junto con el argentino Julio Le Parc. Ellos han desarrollado todo tipo de dispositivos que se mecen con la ayuda del viento o que, según la perspectiva del observador, se expanden y se contraen cambiando de forma emulando moverse. Por otra parte, un buen ejemplo de integración de nuevos objetos a la escultura lo constituye la obra de la reconocida artista colombiana Doris Salcedo, que ha trabajado el difícil tema de la desaparición forzosa de personas a través su escultura Atrabiliarios: una serie de nichos fúnebres en los que mediante alambre y hormigón se exponen los objetos personales de las personas desaparecidas. Esta misma artista, presentó también con enorme éxito en el Tate Modern Museum su obra Shibbolet: una fisura en hormigón que recorre decenas de metros y realiza sugestivas figuras bajo los pies del espectador.

Trampas para el ojo y nuevos objetos

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(Cea/Creative Commons)

Gran parte de la pintura de los últimos años ha desarrollado una serie de estrategias orientadas a producir efectos ópticos. Uno de los estilos asociados a esta forma de disponer “trampas ante el ojo” (del francés “trompe-l'œil) es el denominado hiperrealismo.

Dentro de esta tendencia, el recientemente fallecido pintor chileno Claudio Bravo (1936-2011) constituye una referencia indispensable. Su visión del cuerpo masculino desde una perspectiva erótica y algunas obras que juegan con la reproducción del cuadro dentro del cuadro, lo convirtieron en uno de los referentes de una escuela que suma varios nombres en su auge a lo largo de Latinoamérica.

Con respecto a la realización de nuevos mensajes a través de la representación de elementos de la contemporaneidad, el argentino León Ferrari es uno de los mejores ejemplos de la combinación de política y estética en obras que reúnen símbolos hasta entonces nunca emparentados. El ejemplo más emblemático es su escultura “La civilización cristiana y occidental”, una pieza que consiste en una réplica del avión de guerra F105 con una escultura de Jesús crucificado a sus alas cargadas de bombas.

Algunos de los nuevos materiales con que los artistas latinoamericanos contemporáneos consiguen nuevas texturas y soportes para sus obras, son desde envases de refrescos vacíos hasta ruedas de bicicleta. No ha de extrañar entonces, que muchos de ellos se dediquen a hurgar entre las cosas que la gente desecha en los contenedores de basura, siempre en busca de alguna fotografía familiar para realizar un collage o de alguna maquinaria industrial deteriorada que con sus formas y relieves sugiera nuevas sensaciones.

Un referente ineludible en esta área del reciclaje artístico es el exitoso artista brasileño Vik Muniz, quien ha recreado obras de Claude Monet y Andy Warhol en base a restos de comida; o ha tomado fotografías de pilas de basura dispuestas con absoluto cuidado, representando escenas mitológicas como la de Hércules y Omphale.

Performance y medios de comunicación

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(AS220/Creative Commons)

La performance es una actividad artística cercana a las artes escénicas pero que a diferencia del teatro o la danza, recurre principalmente a nuevas tecnologías y formas de comunicación masivas. La idea de la performance muchas veces es, precisamente, revertir el efecto de algunas campañas masivas que de publicidad.

Por su parte, el artista mexicano Guillermo Gómez Peña, también conocido como “La Pocha Nostra”, ha desarrollado una serie de perfomances interactivas que van desde cuestionarios que estimulan intensas confesiones por parte del público, hasta encuestas que buscan hacer explícita las serie de prejuicios y miedos sobre las diferencias raciales que se vieron potenciados en Estados Unidos a partir de los atentados del 11 de setiembre. Una de las actividades que ofrece su página de internet, por ejemplo, consiste en tratar de identificar el origen étnico de un modelo fotografiado, que aparece vestido con ropas tradicionales tanto árabes como mexicanas femeninas y masculinas. Algunas de las opciones para la identificación que se ofrecen son: Roham Shaikhani, iraní; Isis Rodríguez, chicana; Mark Piñate, chicano; Emiko R. Lewis, mitad japonés; Guillermo Gómez Peña, post-mexicano. Muy pronto el espectador descubre que la identificación en base a expectativas raciales falla en casi todos los casos. La idea de la propuesta, por lo tanto, es dejarle claro al público que el miedo basado en lo racial y la ignorancia son cosas que van de la mano. Este efecto es potenciado a través de la caricatura y el exceso, ya que cada modelo fotográfico muestra ante cámaras algún tipo de arma de fuego o cuchillo.

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